Eat with Art

En Puddle Painting 6 (2014), de Stefan Brüggemann, el lenguaje minimalista convierte el texto y el gesto en herramientas de crítica y reflexión, donde la forma se reduce para intensificar el significado. Esa misma lógica se traslada a la zamburiña —con godello, chalota y piparra— de Mario Sandoval, un ejercicio de sutileza extrema. En un cristal redondo, el gesto de escribir un “NO” dialoga con el cóctel y la zamburiña, el bocado más sutil del mar, cargado de minerales y yodo. Una composición donde la mínima intervención revela lo esencial. El sentido positivo del “NO”, en el que su significado es un sí.

Fantástico artista México Aleman, parada obligatoria para ver nuestro reflejo en el espacio y decir NO a todas aquellas cosas que nos ayudan a cambiar este mundo global, queremos ser actores y participar, y de ahí nuestro reflejo en un instante que marcará nuestro paso por este templo de la gastronomía. Crítica institucional convertida en poesía con una simple palabra

Sobre Stefan Brüggemann Stefan Brüggemann (México, 1975) es un artista conceptual cuya práctica explora la relación entre lenguaje, imagen y sociedad. A través de pintura, escultura e intervención sobre superficies, desarrolla un trabajo de carácter minimalista donde el texto y el gesto funcionan como herramientas de crítica y reflexión.

En Source de Rayon Raouchan (2021), de Fabienne Verdier, el gesto pictórico se convierte en energía en movimiento, donde el trazo construye cuerpo, vibración y luz. Esa misma lógica se traslada al pase de Ónix de Mario Sandoval con la gamba roja —whisky Macallan, pimentón dulce y pimienta rosa—, donde el cuerpo del marisco se ahúma y se especia sin perder su dulzor. El whisky aporta profundidad y madera; el pimentón, calidez; la pimienta rosa, un trazo final que vibra en el paladar como el gesto libre de la pintura. Un plato construido por capas de intensidad, igual que el lienzo se construye por capas de movimiento.

Energía como literatura pura que emana de la maravillosa pluma con la que escribe Fabienne y del excelso pincel con el que traza maravillosos gestos la archiconocida pintora francesa.

Sobre Fabienne Verdier Fabienne Verdier (París, 1962) es una artista contemporánea cuya práctica se centra en el gesto, la energía y la relación entre cuerpo y materia. Su trabajo, profundamente influenciado por la caligrafía y la tradición pictórica oriental, se construye a partir de movimientos amplios y controlados donde cada trazo es resultado de una concentración física y mental extrema. A través de composiciones que combinan color, vibración y gesto, Verdier transforma la pintura en una experiencia casi meditativa, donde la repetición, la intensidad y el tiempo quedan inscritos en la obra. Su práctica sitúa el acto de pintar como un proceso de conexión entre cuerpo, espacio y energía.

La sensibilidad floral de Teresa de la Pisa, que trabaja el latón como si fuera una rama viva, encuentra su eco natural en el pase de bodega de Mario Sandoval: uva y buñuelo, con queso, nuez pecán y miel. Igual que Teresa moldea el metal a golpe frío hasta que parece brotar, el buñuelo se fríe hasta dorarse como una hoja de otoño, y la uva —fruto de la propia vid que rodea la mesa— se convierte en el núcleo dulce del plato. El queso aporta cuerpo; la nuez pecán, textura de bosque; la miel, el barniz final que une ambos lenguajes, el vegetal y el gastronómico, en una misma búsqueda de belleza efímera.

Las obras de Teresa de la Pisa nos acompañan en el espacio gastronómico iluminando de forma tenue nuestras veladas, la naturaleza en nuestras mesas con la pureza de la materia orgánica bien tratada. Las huellas de la artista en precisos troqueles dorados que se superponen en un cromatismo dorado, el mismo que reviste el buñuelo recién frito y la piel de la uva madura.

Sobre Teresa de la Pisa Teresa de la Pisa (Madrid, 1979) es una artista contemporánea que combina escultura, joyería y artesanía. Formada en diseño de moda en el Istituto Europeo di Design, desarrolló desde 2008 un lenguaje propio centrado en el volumen y el gesto manual. Su obra explora la relación entre cuerpo, objeto y forma, creando piezas escultóricas y ornamentales. Ha expuesto en lugares internacionales como Bergdorf Goodman, la Biennale De Mains de Maîtres y Homo Faber, así como en la Bardia Gallery en 2025.

En Atila (2025), de Joana Vasconcelos, la cabeza de toro se alza como símbolo de fuerza, memoria y ritual. Ese mismo espíritu vive en el pase de Sacristía de Mario Sandoval: el steak tartar de toro bravo y el canelón de rabo de toro, con mostaza y encurtidos, donde la tradición se transforma en emoción servida en dos tiempos. Evoca la mítica cabeza de Luis Miguel Dominguín, de la ganadería Arturo Sánchez Cobaleda, que presidía el primer Coque y resume la profunda pasión de Mario por la tauromaquia en un lenguaje de sabor y memoria.

Lo ibérico en las manos de la genial artista portuguesa Joana Vasconcellos, la mirada fija decorada con un manto de bordados que son tan nuestros, el blanco, símbolo de silencio y pureza y el rojo, que nos marca la energía, la emoción y la presencia.

Sobre Joana Vasconcelos Joana Vasconcelos (París, 1971) es una artista contemporánea cuya práctica explora la identidad, la tradición y la cultura popular a través de la escultura y la instalación. Su trabajo reinterpreta objetos y símbolos cotidianos, transformándolos en piezas de gran escala donde lo ornamental y lo conceptual conviven.

En Synesthesia, de Daniel Canogar, la percepción se expande y los sentidos se entrelazan en una experiencia donde lo visual se convierte en aroma, ritmo y emoción. Esa misma sinestesia aparece en la espardeña —pil pil, ají amarillo y mole poblano— de Mario Sandoval, donde tres tradiciones de picante y untuosidad conviven en un mismo bocado: el pil pil vasco, el ají peruano y el mole mexicano. Tres lenguas de fuego que dialogan como los distintos flujos de datos y aromas de la instalación, cruzándose sin perder su identidad, hasta fundirse en una sola percepción.

El tiempo real, en el que vivimos, las sensaciones y experiencias transmitidas al instante, siempre las mismas y otras siempre, la captación especial y tecnológica a la que Daniel nos transporta en increíbles instalaciones; el movimiento y la quietud.

Sobre Daniel Canogar Daniel Canogar (Madrid, 1964) es un artista contemporáneo cuya práctica se sitúa en la intersección entre arte, tecnología y percepción. Su trabajo explora la relación entre imagen, dato y experiencia sensorial a través de instalaciones dinámicas y sistemas generativos. A través de composiciones en movimiento, luz y color, Canogar crea obras que responden a estímulos externos y se transforman en tiempo real, activando una relación directa con el entorno. Su práctica convierte la imagen en un flujo vivo, donde lo visual, lo intangible y lo sensorial se entrelazan.

En la obra azul de Donna Huanca, el color parece latir como una marea interior, un cuerpo espiritual en constante transformación. Ese mismo azul encuentra eco en el plato de quisquilla con ajoblanco y huevas azules de Mario Sandoval, donde el mar se convierte en rito y ofrenda. La fuerza del mar no irrumpe, susurra: es la gamba más dulce, casi etérea, sutil en su intensidad. La almendra tierna, esencia delicada de la primavera, aporta una textura íntima, envolviendo el conjunto en una especie de ceremonia sensorial. Y entonces aparece ese azul único, casi sagrado, que solo habita en las huevas de las quisquillas, como un vínculo invisible entre lo terrenal y lo espiritual, entre el arte y el sabor.

Utilización de azul ultramarino con pigmentos naturales que se conservan frescos desde su creación, como la quisquilla que llega al plato de los comensales. Hueva con la coloración International Klein Blue (IKB) en honor del maravilloso pintor frances Yves Klein que registró ese color tras su creación y ha sido fuente de inspiración para el proyecto Eat with Art.

Sobre Donna Huanca Donna Huanca (Chicago, 1980) es una artista multidisciplinar cuya práctica explora el cuerpo y la espiritualidad a través de la pintura, la performance y la instalación. Su trabajo, profundamente ligado al ritual y la transformación, se desarrolla en entornos inmersivos donde la materia actúa como portadora de memoria y experiencia.

En Kampfmutterz, de Jonathan Meese, la mitología se transforma en un lenguaje contemporáneo, intenso y simbólico. Ese mismo espíritu vive en el pistacho —sopa de curry, helado y caviar Osetra— de Mario Sandoval, donde este fruto, históricamente ligado a culturas antiguas y a la nobleza, se convierte en uno de los más apreciados hoy. Un ingrediente que transita entre lo ancestral y lo actual, desplegando un relato de sabor en equilibrio.

La tonalidad verde de la obra del Japonés Meese, transforma el espacio con un juego pop donde todo se mezcla, LOVE en genérico, ampliado para nuestros comensales como tributo especial en nuestro plato, con ese personaje central que nos hace un guiño mientras degustamos este histórico fruto.

Sobre Jonathan Meese Jonathan Meese (Tokio, 1970) es un artista multidisciplinar cuya práctica abarca pintura, escultura, instalación y performance. Su trabajo explora el poder del símbolo, la mitología y la cultura contemporánea, desarrollando un lenguaje propio donde el gesto y la narrativa adquieren un carácter radical y expansivo.

En la obra de Secundino Hernández, la superposición de capas pictóricas construye una estructura en la que la materia se deconstruye y vuelve a reorganizarse. Esa misma lógica aparece en el garbanzo con queso, pesto y yuba de Mario Sandoval: un plato que genera estratos de sabor. La yuba actúa como velo que une y separa, mientras la albahaca y el pesto de piñones aportan frescura y profundidad. Todo se deconstruye y recompone, como en la pintura, en un juego de capas donde el sabor se vuelve construcción.

Grattage sobre el plano, descomposición y capa pictórica de nuevo en los suaves colores que propone nuestro internacional Secundino en los maravillosos linos que con tanta pureza trabaja.

Sobre Secundino Hernández Secundino Hernández (Madrid, 1975) es un artista contemporáneo cuya práctica se sitúa en la pintura como proceso, donde el gesto, la superposición y la intervención construyen la obra. Su trabajo articula capas, borrados y marcas que revelan tanto la acción como su reverso, generando superficies en las que conviven lo espontáneo y lo controlado. En este diálogo, la pintura se activa como un espacio de tensión entre construcción y deconstrucción.

En La Luz en el Guernica, de José Manuel Ballester, la ausencia de figuras abre un espacio de lectura donde la luz reorganiza el sentido de la obra original, revelando lo invisible. Ese mismo gesto de reinterpretación aparece en el pase de ostra —con sopa de maíz, royal y pepino encurtido— de Mario Sandoval, donde lo que parece ausente en el plato es en realidad su corazón: la ostra se esconde bajo la sopa cremosa, como una figura velada que hay que descubrir cucharada a cucharada. El maíz aporta dulzor de tierra; el pepino encurtido, el contrapunto ácido que devuelve la mirada al mar. Luz y materia se encuentran de nuevo: en la pintura, como revelación; en el plato, como hallazgo.

El golpe fotográfico que no deja de admirarnos del premiadísimo Ballester, Guernica en sus manos y en los brazos de nuestro Chef, coincidencias, historias y similitudes con aire karmático, la historia viva en nuestro espacio de paz, solo una parte, solo un retazo, solo un golpe de la historia que nos transporta a lo que vivimos y a lo que somos, una nueva convivencia captada en esa bombilla tenue que nos ilumina.

Sobre José Manuel Ballester José Manuel Ballester (Madrid, 1960) es un artista contemporáneo cuya práctica se centra en la reinterpretación de imágenes y espacios desde una mirada que desplaza la narrativa original. Su trabajo, vinculado a la fotografía y la intervención digital, explora la ausencia, el silencio y la construcción de nuevas lecturas. A través de la eliminación de figuras y la transformación de escenas reconocibles, Ballester genera composiciones donde la luz, el espacio y la arquitectura adquieren protagonismo, invitando a una contemplación más pausada. Su práctica sitúa la imagen como un territorio abierto, donde lo visible se redefine y el significado se reconstruye.

En Rouge et noire, de Antoni Tàpies, la materia se convierte en huella: signos, tiempo y superficie dialogan en un lenguaje esencial. Ese mismo pulso aparece en el chipirón —calamar, tinta y puntillita— de Mario Sandoval, donde hay pura quintaesencia. El chipirón marca el límite de la textura frente al calamar grande; la puntillita define el instante, el tiempo exacto de lo inmediato, y el Mediterráneo se vuelve territorio. La tinta deja su rastro como en el lienzo: una huella donde el tiempo de la salsa se mide con precisión, casi matemática, convirtiendo el gesto en concepto.

El rojo y el negro, el amor y lo desconocido en un solo gesto, Tapies siempre, su cruz universal impresa en muchas de sus obras como evocación de espiritualidad y trascendencia, la fuerza de expresar ideas y sensaciones con un solo trazo.

Sobre Antoni Tàpies Antoni Tàpies (Barcelona, 1923 – 2012) es uno de los grandes referentes del arte contemporáneo europeo. Su obra explora la materia, el gesto y el signo como lenguajes fundamentales, situándose en el límite entre pintura y objeto. A través de superficies cargadas, marcas, símbolos y texturas, Tàpies convierte la obra en un espacio físico donde el tiempo, la huella y la acción quedan inscritos. Su práctica redefine la pintura como territorio, donde lo matérico adquiere un valor conceptual y casi espiritual.

En Partage XXII, de Barthélémy Toguo, el territorio se construye a través de la materia y del flujo, donde lo migratorio y lo vital dejan una huella sensible. Esa misma idea aparece en el atún —ventresca, oreja y morrillo— de Mario Sandoval, donde las texturas marcan el relato del mar. El atún que desova en nuestras riberas gaditanas, capturado en las almadrabas de forma sostenible, encarna una migración ancestral. El rojo intenso de la ventresca se convierte en signo de vida y profundidad, mientras cada corte expresa una parte del territorio marino. Un plato que habla de movimiento, respeto y equilibrio natural.

Azul ultramarino inspirado en forma de inmenso océano al que nos transporta el Camerunés Barthélémy Toguo, con la belleza y el colorismo que tan bien plasman los artistas africanos, impresiones del momento trasladadas a nuestros platos, luz intensa en el fondo marino donde todos ellos habitan.

Sobre Barthélémy Toguo Barthélémy Toguo (Mbalmayo, Camerún, 1967) es un artista contemporáneo cuya práctica abarca dibujo, pintura, escultura e instalación, explorando temas como la identidad, la migración y la relación entre el ser humano y su entorno. Su trabajo se caracteriza por un uso expresivo del color y la tinta, donde lo figurativo y lo simbólico conviven para construir narrativas que oscilan entre lo íntimo y lo político. A través de formas orgánicas y composiciones fluidas, Toguo genera imágenes cargadas de energía, movimiento y tensión.

En 2023, de Jordan Kerwick, la pintura se manifiesta directa y espontánea, explorando la figura y el gesto con un lenguaje crudo y esencial, donde lo primitivo y lo contemporáneo conviven. Esa misma energía se traduce en el cochinillo —con cebolleta, balsámico y lechuga— de Mario Sandoval: un bocado instintivo, casi salvaje. Lo primitivo y lo contemporáneo conviven; para Mario, el cochinillo es el plato más emblemático de Coque con un nuevo enfoque. Los cueros de los felinos dialogan con la piel crujiente del cochinillo, mientras la cebolleta glaseada en balsámico y la lechuga aportan el pulso vegetal, en un juego de texturas donde los tigres del lienzo encuentran su eco en el sabor.

El mundo de animales de la infancia del australiano Kerwick, con sentimientos aborígenes de culturas milenarias donde todo se mezcla en un increíble cromatismo de muebles, estanterías, plumas y animales captados para la ocasión, en una imagen instantánea que permanece en movimiento mientras la observamos.

Sobre Jordan Kerwick Jordan Kerwick (Melbourne, 1982) es un artista cuya práctica se centra en la pintura y el dibujo. Su trabajo, de carácter directo y espontáneo, explora la figura y el gesto a través de un lenguaje visual crudo y esencial, donde lo primitivo y lo contemporáneo conviven.

La escultura Hombre Árbol (2025), de Carlos Albert, se entrelaza con el pase de Mario Sandoval y su Costilla a través de una misma idea de arraigo y transformación. La figura humana convertida en árbol evoca la unión entre naturaleza y memoria, mientras que la combinación de pastrami, tomillo y granada traslada ese vínculo al lenguaje gastronómico: el ahumado como raíz, el aroma silvestre del tomillo y el fruto de la granada como símbolo de vida y renovación. Ambos crean una experiencia sensorial donde arte y cocina celebran el origen natural del ser humano y su capacidad de crecer, reinventarse y permanecer conectado con la tierra.

La evocación de históricos escultores con el lenguaje propio, la fuerza del hierro moldeado a fuego con las huellas del artista Albert impresas sobre la materia, impronta de escultores que trabajan en el presente fuera del diseño tecnológico de nuestros días, la vuelta al origen, a la esencia…..parar, templar y mandar, y en este caso como hacen los grandes, cargar la suerte.

Sobre Carlos Albert Carlos Albert (Madrid, 1978) es un artista contemporáneo cuya práctica se centra en la escultura como exploración de la forma, el equilibrio y la relación entre figura y espacio. A través del uso de materiales como el hierro, construye piezas que combinan solidez y ligereza, generando tensiones entre lo geométrico y lo orgánico. Sus esculturas establecen un diálogo constante entre volumen y vacío, donde la forma se define tanto por lo que ocupa como por lo que deja respirar.

En Hysteria, 2026, de Anita Suárez de Lezo, la geometría construye un orden sensible donde forma y equilibrio dialogan. Esa idea se traslada al postre Roca de miel, queso fresco y pera flambeada de Mario Sandoval, inspirado en la perfección del hexágono de la colmena. La miel de El Jaral de La Mira, procedente de colmenas trashumantes que se instalan en mayo y se recogen en octubre, aporta su carácter esencial. El plato representa el alma de la finca: un equilibrio de sabores que es también paisaje, donde naturaleza y geometría se encuentran en perfecta armonía.

La ejecución depurada y la técnica perfecta en un ideal de colores lineales que a diferentes artistas nos evoca, vanguardia española para el mundo, modernidad atrevida que nos inspira un mundo donde los caminos confluyen y se separan de nuevo, destinos como objetivo sin saber si habrá final y las manos de Anita dirigiéndolo con ese mix infrecuente de energía y quietud.

Sobre Anita Suárez de Lezo Anita Suárez de Lezo (Madrid, 1974) es una artista contemporánea cuya práctica se centra en la geometría, el color y la construcción de sistemas visuales. Su trabajo explora la relación entre orden y ritmo a través de composiciones modulares donde las formas se articulan en estructuras dinámicas. A través del uso preciso del color y la repetición de elementos, genera superficies que activan una lectura en movimiento, donde la percepción varía según el punto de vista. Su práctica sitúa la pintura como un espacio de construcción, donde cada elemento forma parte de un equilibrio en constante transformación.

En Md January 15, 2021 18:40, de Aldo Chaparro, la materia se entiende como un campo dinámico, donde la forma nunca es fija, sino el resultado de fuerzas en equilibrio. Esa misma idea se traduce en el borrachito de anís con frambuesas y caramelo de violetas de Mario Sandoval: un postre en tensión armónica, donde el caramelo de cereza y la violeta se encuentran, y las frambuesas aportan un brillo vivo, casi líquido. El almíbar rojo envuelve el conjunto, como una energía que moldea y transforma, dando lugar a una composición donde color, sabor y estructura dialogan en constante cambio.

La españolidad de lo latino y la latinidad de lo español, cruces de culturas que nos hermanan con la percepción de que el todo es más importante que las partes, genial Chaparro al frente de es mix, movimiento de olas bajo el color de esos vinos suaves que nos transportan y nos enamoran, mirada fija y paso al frente

Sobre Aldo Chaparro Aldo Chaparro (Lima, 1965) es un artista contemporáneo cuya práctica se centra en la escultura y la relación entre forma, superficie y percepción. Su trabajo explora la tensión entre lo industrial y lo orgánico, utilizando materiales como el acero pulido para generar piezas que capturan y deforman el entorno. A través de superficies reflectantes, pliegues y volúmenes aparentemente inestables, Chaparro crea obras que dialogan con el espacio y el espectador, activando una experiencia visual en constante transformación. Su práctica sitúa la materia como un campo dinámico donde la forma nunca es fija, sino resultado de fuerzas en equilibrio.